Nació Paul Jackson Pollock, hijo de Stella May McClure y LeRoy Pollock, en la localidad fronteriza de Cody. Creció entre mudanzas frecuentes por el oeste estadounidense, lo que moldeó su sentido de la escala y del paisaje.

La familia Pollock se estableció en el sur de California tras años de desplazamientos por Arizona y otros lugares. La cultura visual con influencia mexicana y la amplitud del territorio alimentaron sus primeros intereses por el arte y la identidad.

Fue expulsado de la escuela, lo que reforzó su condición de outsider y su temperamento volátil. Se concentró con mayor intensidad en el dibujo y la pintura, impulsado por hermanos artistas y por la energía cultural de Los Ángeles.

Se trasladó a la ciudad de Nueva York y se matriculó en la Art Students League, donde estudió con el pintor regionalista Thomas Hart Benton. Las composiciones rítmicas de Benton y la escala mural dejaron una huella duradera, aunque más tarde Pollock se rebelaría.

Asimiló influencias de muralistas mexicanos como José Clemente Orozco y del modernismo europeo visto en exposiciones neoyorquinas. Empezó a buscar un lenguaje personal más allá de la narración representacional de Benton.

Durante la Gran Depresión trabajó para el Proyecto Federal de Arte de la WPA, obteniendo un apoyo estable como artista. El programa lo conectó con colegas y le dio tiempo para experimentar con materiales, escala y técnica.

Participó en el Taller Experimental de David Alfaro Siqueiros, donde los artistas probaron pinturas industriales y herramientas poco convencionales. El énfasis en verter, rociar y en el proceso físico anticipó su método posterior.

Luchando contra el alcoholismo, recibió tratamiento y psicoterapia, lo que le introdujo ideas junguianas y simbolismo arquetípico. Estas sesiones lo animaron a explorar el inconsciente, impulsando su giro hacia una abstracción de tono mítico.

La mecenas Peggy Guggenheim lo contrató para su galería, aportándole un respaldo financiero e institucional poco común. Creó el monumental mural para su casa, reivindicando una ambición moderna de gran escala.

Se casó con la pintora Lee Krasner, cuya disciplina y contactos ayudaron a estabilizar su vida profesional. Compraron una casa modesta en Springs, donde un granero como estudio permitió el trabajo en el suelo que sería central en su obra madura.

En el estudio de Springs empezó a colocar los lienzos en el suelo y a gotear esmalte con palos y pinceles endurecidos. El método enfatizaba el movimiento, la gravedad y el ritmo corporal, redefiniendo la pintura como un acontecimiento tanto como una imagen.

Un artículo preguntó si era el mejor pintor vivo del país, lanzándolo a la cultura de masas. La atención elevó el estatus del Expresionismo Abstracto y aumentó la presión sobre su vida privada.

Realizó grandes lienzos como "Ritmo de otoño (Número 30)" y "Uno: Número 31, 1950", ampliando sus composiciones de cobertura total. Su escala y complejidad lo situaron a la vanguardia de la pintura estadounidense de posguerra.

Se orientó hacia obras severas de esmalte negro sobre lienzo sin imprimación, a veces llamadas "vertidos negros", marcando un giro estilístico. Críticos y amigos debatieron el cambio, mientras él lidiaba con la repetición y las expectativas.

Con el regreso de la bebida, la relación con Lee Krasner se tensó en medio del aislamiento en Springs. La brecha creciente entre la fama pública y la inestabilidad privada afectó su productividad y su confianza en el estudio.

Murió en un accidente automovilístico mientras conducía cerca de su casa en Springs, poniendo fin abruptamente a su carrera a los 44 años. La tragedia afianzó su estatus mítico, mientras Krasner más tarde impulsó exposiciones y estudios sobre su obra.