Il est probablement né dans la région de Kyoto au moment où le Japon passait des guerres civiles à l’autorité des Tokugawa. Les marchés d’artisanat de la capitale, en plein essor, ainsi que le goût de la cour, ont ensuite façonné sa sensibilité décorative et sa clientèle.

Jeune homme, il semble s’être formé dans le monde artistique commercial de Kyoto, où les peintres concevaient aussi des textiles, des éventails et des ornements. Cet environnement pratique favorisait des compositions audacieuses et des matériaux durables, adaptés à l’exposition.

Après la mort de Toyotomi Hideyoshi, marchands et aristocrates de Kyoto commandent des objets somptueux pour afficher leur rang. Le style naissant de Sotatsu répond à cette demande de surfaces éclatantes, de feuilles d’or et d’images saisonnières immédiatement lisibles.

Il est lié à un nom de boutique de Kyoto, souvent compris comme la maison Tawaraya, suggérant un atelier produisant peintures et objets de luxe. Ce modèle d’atelier lui permet de standardiser des motifs et d’augmenter la production pour une clientèle prestigieuse.

Il perfectionne le tarashikomi, en laissant couler un pigment humide dans des zones encore mouillées, afin de créer des bords diffus et des textures en nappes. La technique donne aux plantes, aux vagues et aux nuages une souplesse vivante, opposée à des contours nets et à des fonds d’or.

Les intérieurs de Kyoto, prisés des nobles et des riches citadins, demandent des paravents lisibles à distance dans les pièces au sol de tatamis. Il répond par de grandes silhouettes, des répétitions rythmiques et des champs de feuille d’or qui amplifient le miroitement à la lueur des bougies.

Il travaille avec le célèbre calligraphe et connaisseur Honami Koetsu, associant les écritures élégantes de Koetsu à son imagerie luxuriante. Leurs collaborations contribuent à définir un goût aristocratique et revivaliste devenu central dans l’esthétique Rinpa.

Au-delà des paravents, son atelier produit des éventails peints et des papiers à motifs, utilisés pour poèmes, lettres et cadeaux au sein des cercles de cour. Ces objets diffusent largement ses motifs et transforment le design d’atelier en une marque d’élégance reconnaissable.

Il puise dans des récits et des images de l’époque de Heian, associés à la mémoire culturelle de Kyoto, et les recompose en schémas décoratifs contemporains. En mêlant sujets de cour et abstraction audacieuse, il séduit à la fois nobles et marchands prospères.

Ses paravents et œuvres suspendues mettent en avant iris, pins, vagues et oiseaux comme emblèmes saisonniers familiers de la poésie japonaise. La feuille d’or sert d’« espace » lumineux, laissant le regard glisser entre des amas denses et un vide paisible.

Il est associé à des travaux de restauration et de décoration liés à d’importants sites bouddhiques, où la peinture relève à la fois de la dévotion et du prestige. Ces projets renforcent sa réputation et rattachent son atelier à des réseaux de mécénat influents.

Il se voit accorder le titre de Hokkyo, marque de distinction artistique souvent conférée à des peintres respectés. Cet honneur signale une reconnaissance par des institutions d’élite et aide à obtenir des commandes dans la scène culturelle très concurrentielle de Kyoto.

Avec l’augmentation de la demande, des assistants participent probablement à l’exécution de motifs répétitifs, de fonds et de matériaux sous sa supervision. Ce système garantit la cohérence du style et permet à son langage visuel de survivre aux projets et aux commanditaires.

Au milieu des années 1620, son œuvre unit dessin monumental, couleur saturée et somptueux fonds métalliques en une esthétique cohérente. Les maîtres Rinpa ultérieurs de Kyoto se référeront à ses solutions de motif, d’espace et de naturalisme lyrique.

Dans sa période tardive, il privilégie des espacements assurés et des formes répétées qui s’apparentent presque à un dessin abstrait. L’équilibre entre vide et ornement rend ses paravents idéaux pour les cadres architecturaux et les usages cérémoniels.

Il meurt à la fin des années 1620, laissant une œuvre influente qui fait le lien entre production artisanale et grande peinture. Ses innovations de matériaux, de composition et de tarashikomi deviennent des références pour les artistes Rinpa de Kyoto des générations suivantes.