Provavelmente nasceu na região de Quioto quando o Japão passava da guerra civil para o governo Tokugawa. Os mercados de ofícios de uma capital em expansão e o gosto cortesão moldaram mais tarde a sua sensibilidade decorativa e a sua clientela.

Quando jovem, ao que tudo indica formou-se no mundo da arte comercial de Quioto, onde os pintores também concebiam têxteis, leques e ornamentos. Esse ambiente prático incentivou composições audazes e materiais duráveis adequados à exibição.

Após a morte de Toyotomi Hideyoshi, mercadores e aristocratas de Quioto encomendaram objetos suntuosos para sinalizar estatuto. O estilo emergente de Sotatsu correspondia à procura por superfícies deslumbrantes, folha de ouro e imagens sazonais de leitura imediata.

Passou a estar ligado a um nome de loja em Quioto, muitas vezes apresentado como Tawaraya, sugerindo um ateliê que produzia pinturas e artes de luxo. O modelo de oficina permitiu-lhe padronizar motivos e ampliar a produção para patronos de alto nível.

Aperfeiçoou o tarashikomi, deixando cair pigmento húmido em áreas ainda molhadas para criar bordas que se expandem e texturas acumuladas. A técnica deu a plantas, ondas e nuvens uma suavidade viva contra contornos nítidos e fundos dourados.

Os interiores de Quioto, apreciados por nobres e citadinos ricos, pediam biombos legíveis à distância em salas de tatami. Respondeu com grandes silhuetas, repetição rítmica e campos de folha de ouro que amplificavam o brilho da luz de velas.

Trabalhou com o célebre calígrafo e conhecedor Honami Koetsu, combinando as escritas elegantes de Koetsu com a sua imagem abundante. As colaborações ajudaram a definir um gosto aristocrático e revivalista que se tornou central na estética Rinpa.

Além de biombos, o seu estúdio produziu leques pintados e papéis estampados usados em poemas, cartas e presentes nos círculos da corte. Esses objetos espalharam amplamente os seus motivos, transformando o desenho de ateliê numa marca reconhecível de elegância.

Recorreu a narrativas e imagens do período Heian associadas à memória cultural de Quioto, remodelando-as em esquemas decorativos modernos. Ao unir assuntos cortesãos com abstração ousada, agradou tanto a nobres como a mercadores prósperos.

Os seus biombos e obras suspensas enfatizavam íris, pinheiros, ondas e aves como emblemas sazonais familiares à poesia japonesa. A folha de ouro funcionava como um espaço luminoso, permitindo que o olhar deslizasse entre conjuntos densos e vazios silenciosos.

É associado a trabalhos de restauro e decoração ligados a importantes sítios budistas, onde a pintura servia tanto a devoção como o prestígio. Projetos em templos elevaram a sua reputação e ligaram o seu ateliê a redes influentes de patronagem.

Foi-lhe concedido o título Hokkyo, uma distinção artística frequentemente atribuída a pintores respeitados. A honra sinalizou reconhecimento por instituições de elite e ajudou a assegurar encomendas no competitivo cenário cultural de Quioto.

Com o aumento da procura, assistentes provavelmente ajudaram a executar motivos repetidos, fundos e materiais sob a sua supervisão. Esse sistema garantiu consistência estilística e permitiu que a sua linguagem visual sobrevivesse a projetos e patronos individuais.

Em meados da década de 1620, a sua obra fundiu desenho monumental, cor saturada e ricos fundos metálicos numa estética coerente. Mestres Rinpa posteriores em Quioto voltaram às suas soluções de padrão, espaço e naturalismo lírico.

No período final, enfatizou uma disposição confiante e formas repetidas que quase se leem como desenho abstrato. O equilíbrio entre vazio e ornamento tornou os seus biombos ideais para ambientes arquitetónicos e exibição cerimonial.

Morreu no final da década de 1620, deixando uma obra influente que ligou produção artesanal e pintura de alto nível. As suas inovações em materiais, composição e tarashikomi tornaram-se referências para artistas Rinpa posteriores baseados em Quioto.