Nació en la zona del mercado de Nishiki en Kioto y creció entre los ritmos de un próspero hogar mercantil. El bullicio de los puestos, los productos de temporada y las aves en jaulas ayudaron a formar su mirada de por vida para el color y la textura.

De joven se dedicó a la pintura en gran medida fuera de las academias oficiales, estudiando modelos chinos y japoneses antiguos disponibles en Kioto. Se hizo conocido por dibujar del natural, examinando plumas, hojas e insectos con una paciencia inusual.

Empezó a asumir mayores deberes en la verdulería familiar, equilibrando el comercio con el estudio artístico privado. Las redes mercantiles de Kioto le dieron acceso a coleccionistas, pigmentos, papel y referencias visuales importadas.

Tras la muerte de su padre, heredó el liderazgo de la tienda Itō y los asuntos del hogar. La obligación afianzó su independencia, pero siguió pintando obsesivamente, tratando el trabajo diario como telón de fondo de su ambición artística.

Se relacionó cada vez más con círculos budistas zen que valoraban la percepción directa y la práctica disciplinada. Los templos de Kioto le ofrecieron tanto arraigo espiritual como patronos que apreciaban sus representaciones intensamente observadas de los seres vivos.

Los pintores e intelectuales de Kioto, incluidos los círculos vinculados a Maruyama Ōkyo y Tani Bunchō, debatían el realismo, los estilos chinos y nuevos efectos pictóricos. Jakuchū absorbió ese ambiente, pero mantuvo un enfoque obstinadamente personal.

Tradicionalmente se dice que entregó el negocio familiar a un pariente más joven, liberándose para una producción artística a tiempo completo. Esta elección lo acercó más a encargos de templos y a coleccionistas de élite de Kioto.

Emprendió el ambicioso conjunto más tarde conocido como "Dōshoku Sai-e" (Reino colorido de los seres vivos), representando aves, peces, insectos y plantas con una precisión extraordinaria. El proyecto exigió pigmentos costosos y años de labor sostenida en Kioto.

A mediados de la década de 1760, numerosas pinturas de su gran serie mostraban color denso, patrones diminutos y una presencia extrañamente vívida. Su práctica en el estudio se parecía al estudio natural, pero los resultados eran intensificados y teatrales, no meramente descriptivos.

Desarrolló pasajes construidos con pequeños toques cuadrados que forman superficies brillantes, especialmente en los cuerpos de las aves y en los fondos. El método creó un efecto táctil, casi textil, que lo distinguió de los enfoques ortodoxos de las escuelas Kanō y Maruyama.

Proporcionó rollos y pinturas colgantes para templos y para acaudalados vecinos de la ciudad, integrando motivos auspiciosos con una observación intensa. Los patronos religiosos y mercantiles de Kioto valoraban su capacidad de hacer que criaturas familiares se sintieran inquietantes y sagradas.

Se le asocia con donaciones de obras mayores al complejo zen de Shōkoku-ji, vinculando su arte con un propósito devocional. El entorno del templo reforzó su reputación como practicante laico que pintaba tanto como ofrenda como por fama.

Más allá de la pintura para élites, realizó diseños que circularon con mayor amplitud gracias a la cultura del grabado en Kioto. El giro mostró su comodidad para cruzar fronteras sociales, desde refinados encargos de templos hasta obras lúdicas o decorativas para la gente de la ciudad.

En sus sesenta vivió con mayor discreción, concentrándose en encargos selectos y proyectos personales en lugar de construir una carrera pública. Sus obras tardías suelen intensificar el contraste y la estructura, sugiriendo una síntesis madura de disciplina, humor y atención impregnada de zen.

El Gran Incendio de Tenmei de 1788 quemó amplias zonas de Kioto, alterando barrios, templos y medios de vida artísticos. En medio de la destrucción y la reconstrucción, su producción continuada refleja resiliencia y la determinación de la ciudad por restaurar la vida cultural.

Sus pinturas posteriores equilibran el detalle meticuloso con un diseño general impactante, a menudo usando el espacio vacío y siluetas fuertes para intensificar la presencia. Gallos, grullas y verduras se vuelven actores emblemáticos, mezclando humor con reverencia por las formas vivas.

En la década de 1790, los coleccionistas de Kioto lo reconocieron como un maestro excéntrico distinto de las escuelas dominantes. Sus obras circularon por redes mercantiles y de templos, asegurando que sus imágenes más celebradas de aves y flores quedaran cuidadosamente preservadas.

Murió en Kioto después de décadas de dedicación solitaria a retratar la vitalidad de animales y plantas. Su legado perduró en fondos de templos y colecciones privadas, más tarde celebrado como una visión singular dentro de la pintura japonesa del periodo Edo.