Probablemente nació en la región de Kioto mientras Japón pasaba de la guerra civil al gobierno Tokugawa. Los mercados artesanales de la capital en auge y el gusto cortesano moldearon más tarde su sensibilidad decorativa y su clientela.

De joven parece haberse formado en el mundo del arte comercial de Kioto, donde los pintores también diseñaban textiles, abanicos y ornamentos. Este entorno práctico favoreció composiciones audaces y materiales resistentes adecuados para la exhibición.

Tras la muerte de Toyotomi Hideyoshi, mercaderes y aristócratas de Kioto encargaron objetos suntuosos para exhibir estatus. El estilo emergente de Sotatsu encajó con la demanda de superficies deslumbrantes, pan de oro e imágenes estacionales de lectura inmediata.

Quedó vinculado al nombre de una tienda de Kioto, a menudo entendido como Tawaraya, lo que sugiere un taller que producía pinturas y artesanías de lujo. El modelo de taller le permitió estandarizar motivos y ampliar la producción para clientes de alto nivel.

Perfeccionó el tarashikomi, dejando caer pigmento húmedo sobre zonas aún mojadas para crear bordes que se abren y texturas acumuladas. La técnica otorgó a plantas, olas y nubes una suavidad viva frente a contornos nítidos y fondos dorados.

Los interiores de Kioto, apreciados por nobles y habitantes acomodados, requerían biombos legibles a través de salas con tatami. Respondió con grandes siluetas, repetición rítmica y campos de pan de oro que amplificaban el brillo de la luz de las velas.

Trabajó con el célebre calígrafo y conocedor Honami Koetsu, uniendo la escritura elegante de Koetsu con su imaginería exuberante. Sus colaboraciones ayudaron a definir un gusto aristocrático y revivalista que se volvió central en la estética Rinpa.

Además de biombos, su estudio produjo abanicos pintados y papeles estampados usados para poemas, cartas y regalos entre círculos cortesanos. Estos objetos difundieron ampliamente sus motivos y convirtieron el diseño del taller en una marca reconocible de elegancia.

Recurrió a narrativas e imágenes del periodo Heian asociadas con la memoria cultural de Kioto, y las reformuló en esquemas decorativos modernos. Al unir temas cortesanos con una abstracción audaz, atrajo tanto a nobles como a mercaderes prósperos.

Sus biombos y obras colgantes destacaron iris, pinos, olas y aves como emblemas estacionales familiares para la poesía japonesa. El pan de oro funcionaba como un espacio luminoso, permitiendo que la mirada se deslizara entre agrupaciones densas y un vacío sereno.

Se le asocia con trabajos de restauración y decoración ligados a importantes sitios budistas, donde la pintura servía tanto a la devoción como al prestigio. Los proyectos en templos elevaron su reputación y conectaron su taller con influyentes redes de mecenazgo.

Se le concedió el título Hokkyo, una distinción artística a menudo otorgada a pintores respetados. El honor señaló reconocimiento por parte de instituciones de élite y ayudó a asegurar encargos en el competitivo ámbito cultural de Kioto.

A medida que crecía la demanda, es probable que asistentes ejecutaran motivos repetidos, fondos y materiales bajo su supervisión. Este sistema aseguró coherencia estilística y permitió que su lenguaje visual perdurara más allá de proyectos y clientes concretos.

A mediados de la década de 1620, su obra fusionó diseño monumental, color saturado y suntuosos fondos metálicos en una estética coherente. Maestros Rinpa posteriores en Kioto miraron sus soluciones de patrón, espacio y lirismo naturalista.

En su periodo final enfatizó una disposición segura y formas repetidas que casi se leen como diseño abstracto. El equilibrio entre vacío y ornamento hizo que sus biombos fueran ideales para entornos arquitectónicos y exhibiciones ceremoniales.

Murió a finales de la década de 1620, dejando una obra influyente que tendió puentes entre la producción artesanal y la gran pintura. Sus innovaciones en materiales, composición y tarashikomi se convirtieron en referentes para artistas Rinpa posteriores vinculados a Kioto.