Né à Kyoto sous le nom de Takeuchi Tsunekichi, alors que le Japon approchait de la restauration de Meiji et d’une modernisation rapide. En grandissant dans les quartiers d’artisans de Kyoto, il s’imprégna de la peinture classique, des métiers d’art et de la culture des temples, qui façonnèrent plus tard sa sensibilité nihonga.

Il entra dans l’atelier de Kōno Bairei, maître éminent de l’école Shijō réputé pour des sujets vivants fondés sur l’observation. Sous les routines strictes de Bairei à Kyoto, il s’exerça au contrôle du pinceau, aux dégradés d’encre et à l’étude attentive de la nature et des croquis.

À mesure que son talent mûrissait, il adopta le nom d’artiste Seihō et commença à recevoir des commandes dans le marché de l’art compétitif de Kyoto. Ce nom signalait son ambition au sein de la lignée Shijō, tandis qu’il expérimentait un réalisme plus incisif et des sujets contemporains.

Il se mit à exposer dans des lieux artistiques influents de l’ère Meiji, qui promouvaient la culture nationale au sein des politiques de modernisation. La reconnaissance obtenue à Kyoto l’aida à trouver des mécènes et élargit son public au-delà des commandes privées, l’encourageant à des compositions plus audacieuses et à des études d’animaux.

En dirigeant son propre atelier à Kyoto, il affina la peinture animalière par une observation précise et un pinceau expressif. Il aurait étudié de près des modèles vivants, recherchant texture, anatomie et mouvement, tout en conservant la clarté décorative attendue du nihonga.

À mesure que sa réputation grandissait, de jeunes artistes se réunirent autour de son atelier pour apprendre les méthodes Shijō et son réalisme plus récent. L’enseignement le poussa à formuler clairement des techniques liées à l’encre, aux pigments minéraux et au croquis, posant les bases d’un cercle moderne du nihonga centré sur Kyoto.

Il gagna une notoriété plus large grâce aux expositions liées à l’Institut d’art du Japon d’Okakura Kakuzō, qui défendait le nihonga face à la domination du yōga de style occidental. Le contexte compétitif des jurys récompensa son naturalisme novateur tout en maintenant des liens avec l’esthétique japonaise classique.

Il parcourut des centres artistiques européens pour découvrir musées, peinture moderne et nouvelles approches de la lumière et de l’anatomie. Ce voyage approfondit son intérêt pour le réalisme et la composition, qu’il réinterpréta ensuite à travers le pinceau et les matériaux japonais.

De retour à Kyoto, il synthétisa ce qu’il avait vu à l’étranger dans un idiome résolument japonais plutôt que de copier les techniques de la peinture à l’huile. Ses œuvres firent davantage usage de volume convaincant, de perspective et d’anatomie animale, tout en préservant le rythme de l’encre et l’espace négatif décoratif.

Avec le lancement des expositions Bunten du ministère de l’Éducation, il s’imposa comme un représentant central de Kyoto dans le nihonga moderne. Le succès dans ce système national élargit son influence, le reliant aux critiques, aux jurés et à la politique culturelle soutenue par l’État.

Pendant l’ouverture culturelle de l’ère Taishō, son réseau d’atelier devint un terrain de formation pour de nombreux jeunes peintres nihonga. Il mettait l’accent sur le croquis d’après nature, la force du design et la maîtrise technique, renforçant Kyoto comme contrepoids aux institutions de Tokyo.

Sa période de maturité présente des animaux et des paysages rendus avec un trait sûr, des lavis maîtrisés et une couleur lumineuse. Collectionneurs et jurys d’exposition apprécièrent la manière dont il équilibriait le détail naturaliste et la simplification élégante associée aux traditions Shijō.

Alors que son prestige se consolidait, il reçut une reconnaissance de premier plan liée au système croissant d’honneurs culturels de l’État japonais. Ces distinctions confirmèrent son rôle de porte-étendard de la modernisation du nihonga à une époque où le Japon promouvait les arts comme signe de prestige national.

Il siégea dans des jurys influents et occupa des rôles consultatifs qui façonnèrent les standards des expositions et le goût du public. Par ces fonctions, il contribua à définir ce que pouvait être un nihonga « moderne », encourageant la rigueur technique tout en protégeant l’identité japonaise du médium.

Il fut nommé artiste de la Maison impériale, une distinction très convoitée reconnaissant des artistes au service du prestige de la cour. Ce titre confirma son statut d’élite et donna une visibilité accrue au nihonga de Kyoto au sein de la hiérarchie culturelle officielle du Japon.

À la fin des années 1930, la mobilisation de guerre resserra les institutions culturelles et la vie des expositions. Malgré ces changements, il maintint sa pratique d’atelier et son mentorat à Kyoto, se concentrant sur une technique disciplinée et des sujets durables tirés de la nature.

Il mourut à Kyoto pendant la guerre du Pacifique, laissant un vaste cercle d’élèves et une norme transformée pour la peinture japonaise. Son héritage repose sur la fusion de l’élégance Shijō avec l’observation moderne, contribuant à définir le nihonga de Kyoto au XXe siècle.