Im Nishiki-Marktviertel von Kyoto geboren, wuchs er im Rhythmus eines wohlhabenden Händlerhaushalts auf. Das Gedränge der Stände, das saisonale Obst und Gemüse sowie Käfigvögel schärften früh seinen Blick für Farbe und Textur.

Als junger Mann verfolgte er die Malerei weitgehend außerhalb offizieller Akademien und studierte ältere chinesische und japanische Vorbilder, die in Kyoto zugänglich waren. Er wurde dafür bekannt, nach dem Leben zu skizzieren und Federn, Blätter und Insekten mit ungewöhnlicher Geduld zu prüfen.

Er begann, mehr Pflichten im Familien-Gemüseladen zu übernehmen und Handel mit privatem Kunststudium zu verbinden. Die Händlernetzwerke Kyotos verschafften ihm Zugang zu Sammlern, Pigmenten, Papier und importierten Bildvorlagen.

Nach dem Tod seines Vaters übernahm er die Leitung des Itō-Geschäfts und die Angelegenheiten des Haushalts. Die Verpflichtung schärfte seine Unabhängigkeit, doch er malte weiterhin besessen und ließ die tägliche Arbeit zum Hintergrund künstlerischen Ehrgeizes werden.

Er suchte zunehmend den Umgang mit zenbuddhistischen Kreisen, die unmittelbare Wahrnehmung und disziplinierte Übung schätzten. Kyoter Tempel boten ihm sowohl spirituellen Halt als auch Förderer, die seine intensiv beobachteten Darstellungen lebender Wesen zu würdigen wussten.

Kyotos Maler und Gelehrte, darunter Kreise mit Bezug zu Maruyama Ōkyo und Tani Bunchō, diskutierten Realismus, chinesische Stile und neue Bildwirkungen. Jakuchū nahm die Atmosphäre in sich auf, blieb jedoch eigensinnig bei einem zutiefst persönlichen Ansatz.

Der Überlieferung nach übergab er das Familiengeschäft an einen jüngeren Verwandten, um sich ganz der künstlerischen Produktion zu widmen. Diese Entscheidung brachte ihn näher an Tempelaufträge und an die Sammlerschaft der Kyoter Elite.

Er begann das ambitionierte Konvolut, das später als „Dōshoku Sai-e“ bekannt wurde, und stellte Vögel, Fische, Insekten und Pflanzen mit außergewöhnlicher Genauigkeit dar. Das Vorhaben erforderte kostspielige Pigmente und jahrelange, anhaltende Arbeit in Kyoto.

Mitte der 1760er Jahre zeigten viele Bilder seiner großen Serie dichte Farbflächen, minutiöse Musterung und ein seltsam lebendiges Präsenzgefühl. Seine Atelierpraxis glich naturkundlichem Studium, doch die Ergebnisse wirkten gesteigert und theatralisch statt nur beschreibend.

Er entwickelte Passagen aus kleinen, quadratischen Pinselsetzungen, die schimmernde Oberflächen bilden, besonders in Vogelkörpern und Hintergründen. Die Methode erzeugte eine taktile, nahezu textile Wirkung und unterschied ihn von orthodoxen Kano- und Maruyama-Ansätzen.

Jakuchū lieferte Rollenbilder und Hängegemälde für Tempel und wohlhabende Stadtbewohner und verband glückverheißende Motive mit intensiver Beobachtung. Kyotos religiöse und kaufmännische Förderer schätzten seine Fähigkeit, vertraute Kreaturen unheimlich und zugleich heilig erscheinen zu lassen.

Er wird mit Stiftungen bedeutender Werke an den Zen-Tempelkomplex Shōkoku-ji in Verbindung gebracht und verknüpfte seine Kunst damit ausdrücklich mit religiöser Hingabe. Das Tempelumfeld festigte seinen Ruf als Laienpraktizierender, der als Opfergabe ebenso wie für Ruhm malte.

Neben der elitären Malerei fertigte er Entwürfe an, die über die Druckkultur Kyotos breiter zirkulierten. Der Schritt zeigte seine Sicherheit darin, soziale Grenzen zu überschreiten: von feinen Tempelaufträgen bis zu verspielten oder dekorativen Arbeiten für Stadtleute.

In seinen Sechzigern lebte er ruhiger und konzentrierte sich eher auf ausgewählte Aufträge und persönliche Projekte als auf öffentliche Karrierepflege. Seine späten Werke verstärken oft Kontrast und Struktur und deuten auf eine reife Synthese aus Disziplin, Humor und zenbuddhistischer Aufmerksamkeit.

Das große Tenmei-Feuer von 1788 verbrannte weite Teile Kyotos und erschütterte Viertel, Tempel und künstlerische Existenzen. Inmitten von Zerstörung und Wiederaufbau zeugt sein fortgesetztes Schaffen von Widerstandskraft und vom Willen der Stadt, das kulturelle Leben wiederherzustellen.

Seine späten Bilder balancieren akribische Detailarbeit mit starkem Gesamtdesign und nutzen oft Leere sowie klare Silhouetten, um Präsenz zu steigern. Hähne, Kraniche und Gemüse werden zu emblematischen Akteuren, die Humor mit Ehrfurcht vor lebendigen Formen verbinden.

In den 1790er Jahren erkannten Kyoter Sammler ihn als exzentrischen Meister, deutlich abgesetzt von den Hauptströmungen der Schulen. Seine Werke zirkulierten über Händler- und Tempelnetzwerke, wodurch seine gefeiertsten Vogel- und Blumenbilder sorgfältig bewahrt blieben.

Er starb in Kyoto nach Jahrzehnten stiller Hingabe an die Darstellung der Lebendigkeit von Tieren und Pflanzen. Sein Vermächtnis blieb durch Tempelbestände und Privatsammlungen erhalten und wurde später als einzigartige Vision innerhalb der japanischen Malerei der Edo-Zeit gefeiert.