Er wurde in der Provinz Tanba in eine Bauernfamilie geboren, in der stabilen, aber streng geschichteten Edo-Zeit. Die frühe Vertrautheit mit Tieren und Landschaften prägte später sein Bekenntnis, direkt nach der Natur zu malen.

Als Jugendlicher verließ er das Land und ging nach Kyoto, die Kaiserstadt und ein wichtiges Kunstzentrum unter Tokugawa-Herrschaft. Dort trat er in die Welt der Handwerkswerkstätten ein, in der Können und Ruf ebenso zählten wie Herkunft.

Er fand eine Anstellung als Maler in einem Geschäft, das illustrierte Drucke und populäre Waren für Stadtbewohner herstellte. Das Tempo der kommerziellen Produktion schärfte sein zeichnerisches Können und zeigte ihm, wie Bilder über elitäre Auftraggeber hinaus zirkulieren.

Er lernte bei Ishida Yūtei und übernahm Methoden der Kanō-Schule: Pinselkontrolle, kompositorische Ordnung und strenge Werkstattdisziplin. Das formale Vokabular der Kanō-Malerei wurde später zu einem Gerüst, das er in Richtung Naturalismus weiterentwickeln konnte.

Er begann, Vögel, Fische und Alltagsgegenstände in fortlaufenden Studien zu erfassen und machte die Beobachtung zur Grundlage künstlerischer Autorität. Diese Skizzen kursierten unter Kennern in Kyoto und zeichneten ihn als Künstler mit einer neuen Art von Wahrhaftigkeit aus.

Kyoter Sammler machten ihn mit importierten Bildern und Techniken bekannt, die mit der rangaku-geprägten Neugier auf den Westen verbunden waren. Er erprobte Schattierung und Einpunktperspektive, um überzeugende Tiefe zu schaffen, ohne die Sensibilität der japanischen Tusche zu verlieren.

Auftraggeber priesen seine Fähigkeit, Formen so wiederzugeben, als nähmen sie realen Raum ein, von Tieren bis zu Stillleben des Haushalts. Sein Ansatz stellte die Vorstellung infrage, japanische Malerei müsse Stilisierung grundsätzlich über empirische Ähnlichkeit stellen.

Er organisierte eine Werkstatt, die Stellschirme, Hängerollen und Aufträge für Kaufleute und Tempel bewältigen konnte. Das Ateliermodell erlaubte ihm, systematisch zu unterrichten und persönliche Methoden in einen wiederholbaren Schulstil zu überführen.

Sein Kundenkreis wuchs unter Stadtbewohnern und in Kultursalons, die Neuheit und verfeinerten Geschmack schätzten. Der Erfolg ohne aristokratische Abstammung deutete auf eine Verschiebung der Kunstmärkte der Edo-Zeit hin, hin zu Leistung und modischen Kreisen.

Er entwickelte eine charakteristische Mischung aus weichen Tuschewaschungen, präziser Kontur und beobachteter Anatomie, die Motive lebendig und zugleich elegant hielt. Diese Synthese bot eine Alternative sowohl zur strengen Kanō-Orthodoxie als auch zu rein dekorativen Ansätzen.

Großformatige Werke brachten ihn in Kontakt mit einflussreichen Haushalten und religiösen Institutionen, die saisonale und glückverheißende Bildthemen in Auftrag gaben. Solche Projekte zeigten seine Beherrschung monumentaler Komposition, ohne den lebensechten Detailreichtum zu verlieren.

Sein Atelier zog ehrgeizige junge Maler an, darunter Nagasawa Rosetsu, der kühne Ausdrucksformen über die Zurückhaltung des Meisters hinaus trieb. Durch den Unterricht machte er die beobachtungsbasierte Zeichenpraxis zu einem gemeinsamen Standard in Kyoto.

Seine Methoden überschnitten sich mit Malern, die mit dem Shijō-Viertel Kyotos verbunden waren, was sowohl Zusammenarbeit als auch Konkurrenz darum erzeugte, was „natürliche“ Malerei sein sollte. Debatten über Realismus, Pinselarbeit und Geschmack schärften die Identität seiner Schule.

Religiöse Aufträge platzierten seine Bilder in Räumen, die von Pilgern und Stadtbewohnern besucht wurden, nicht nur in privaten Salons. Indem er Realismus an Andachtskontexte anpasste, zeigte er, dass genaue Beobachtung spirituellen und zeremoniellen Bedürfnissen dienen konnte.

Das Große Tenmei-Feuer verwüstete Kyoto und unterbrach Netzwerke von Mäzenen, Werkstätten und Sammlungen. Er arbeitete weiter, erneuerte berufliche Verbindungen und behauptete sich in einer Stadt, die von Katastrophe und Wiederaufbau geprägt war.

Gegen Ende seiner Laufbahn hatte er Atelierpraktiken und ein erkennbares Erscheinungsbild kodifiziert, das Schüler weitertragen konnten. Der Maruyama-Ansatz prägte die spätere Kyoter Malerei, indem er naturalistisches Studium als Zeichen von Raffinesse etablierte.

Seine späten Bilder bevorzugten maßvolle Pinselführung und subtile Tonübergänge, die Luftigkeit und weiches Licht andeuteten. Statt auf Spektakel zielte er auf einen ruhigen Realismus, der zu langem Betrachten und intimer Wiedererkennung einlädt.

Er starb in Kyoto, nachdem er über Jahrzehnte die Erwartungen daran verändert hatte, wie japanische Malerei aussehen kann. Schüler und Nachfolger bewahrten seine skizzenbasierte Methode und hielten den Naturalismus über Generationen hinweg im Zentrum der Kyoter Kunst.