Er wurde in Kyoto als Takeuchi Tsunekichi geboren, als Japan kurz vor der Meiji-Restauration und einer Phase rascher Modernisierung stand. In den Handwerkervierteln Kyotos aufwachsend, nahm er klassische Malerei, Kunsthandwerk und Tempelkultur in sich auf, die später sein Nihonga-Empfinden prägten.

Er trat in das Atelier von Kono Bairei ein, einem führenden Meister der Shijo-Schule, bekannt für lebendige, genau beobachtete Motive. Unter Baireis strengen Routinen in Kyoto trainierte er Pinselführung, Abstufungen der Tusche und das sorgfältige Studium der Natur anhand von Skizzen.

Mit wachsender Reife nahm er den Künstlernamen Seihō an und erhielt erste Aufträge im wettbewerbsintensiven Kunstmarkt Kyotos. Der Name signalisierte Ehrgeiz innerhalb der Shijo-Linie, während er mit schärferem Realismus und zeitgenössischen Themen experimentierte.

Er stellte in einflussreichen Kunstforen der Meiji-Zeit aus, die nationale Kultur im Rahmen der Modernisierungspolitik fördern sollten. Anerkennung in Kyoto brachte ihm Förderer und erweiterte sein Publikum über private Aufträge hinaus, was zu gewagteren Kompositionen und intensiveren Tierstudien ermutigte.

Mit einem eigenen Atelier in Kyoto verfeinerte er die Tiermalerei durch präzise Beobachtung und ausdrucksstarke Pinselführung. Berichten zufolge studierte er lebende Modelle sehr genau und suchte nach Textur, Anatomie und Bewegung, während er die dekorative Klarheit bewahrte, die man von Nihonga erwartete.

Mit wachsendem Ruf sammelten sich jüngere Künstler um sein Atelier, um Shijo-Methoden und seinen neueren Realismus zu erlernen. Das Unterrichten zwang ihn, Techniken für Tusche, Mineralpigmente und Skizzieren zu formulieren und legte den Grundstein für einen modernen Nihonga-Kreis mit Zentrum in Kyoto.

Durch Ausstellungen im Umfeld des von Okakura Kakuzo geprägten Japanischen Kunstinstituts wurde er landesweit stärker wahrgenommen; dieses Institut verteidigte Nihonga gegen die Dominanz westlich orientierter Malerei. Der wettbewerbliche Jurierungsrahmen belohnte seinen frischen Naturalismus, während er zugleich in der klassischen japanischen Ästhetik verankert blieb.

Er reiste durch europäische Kunstzentren, um Museen, moderne Malerei und neue Auffassungen von Licht und Anatomie zu sehen. Die Reise vertiefte sein Interesse an Realismus und Komposition, das er später durch japanische Pinselführung und Materialien neu deutete.

Zurück in Kyoto verband er das im Ausland Gesehene zu einer deutlich japanischen Ausdrucksweise, statt Ölmaltechniken zu kopieren. Seine Werke zeigten zunehmend überzeugendes Volumen, Perspektive und Tieranatomie, während Tuscherhythmus und dekorative Leerräume erhalten blieben.

Mit dem Start der Bunten-Ausstellungen des Bildungsministeriums wurde er zu einem zentralen Vertreter Kyotos für moderne Nihonga. Erfolge in diesem nationalen System vergrößerten seinen Einfluss und vernetzten ihn mit Kritikern, Juroren und staatlich gestützter Kulturpolitik.

Während der kulturell offenen Taisho-Zeit wurde sein Ateliernetzwerk zu einer Ausbildungsstätte für viele jüngere Nihonga-Maler. Er betonte Skizzieren nach dem Leben, starkes Design und technische Meisterschaft und stärkte Kyoto als Gegengewicht zu den Institutionen Tokios.

Seine reife Phase zeigte Tiere und Landschaften mit sicherer Linie, kontrollierten Lasuren und leuchtender Farbe. Sammler und Ausstellungsgremien schätzten, wie er naturalistische Detailtreue mit der eleganten Vereinfachung der Shijo-Traditionen ausbalancierte.

Mit gefestigtem Rang erhielt er prestigeträchtige Anerkennung im wachsenden System staatlicher Kulturpreise. Diese Auszeichnungen bestätigten ihn als Leitfigur der Nihonga-Modernisierung in einer Zeit, in der Japan die Künste als nationales Prestige förderte.

Er wirkte in einflussreichen Jury- und Beratungspositionen, die Ausstellungsstandards und den öffentlichen Geschmack prägten. Damit half er zu definieren, was „moderne“ Nihonga sein konnte: technische Strenge, verbunden mit dem Schutz der japanischen Identität des Mediums.

Er wurde in einen der begehrtesten Ehrentitel aufgenommen, der Künstler für ihren Beitrag zum Ansehen des Kaiserhauses auszeichnete. Der Titel bestätigte seinen elitären Status und erhöhte die Sichtbarkeit der Kyoto-Nihonga innerhalb der offiziellen Kulturhierarchie Japans.

In den späten 1930er Jahren verschärfte die Kriegsmobilisierung Japans den Rahmen kultureller Institutionen und des Ausstellungsgeschehens. Trotz dieser Verschiebungen hielt er an Atelierarbeit und Mentorat in Kyoto fest und konzentrierte sich auf disziplinierte Technik und dauerhafte Naturmotive.

Er starb in Kyoto während des Pazifikkriegs und hinterließ einen großen Kreis von Schülern sowie einen veränderten Maßstab für japanische Malerei. Sein Vermächtnis liegt in der Verbindung von Shijo-Eleganz und moderner Beobachtung, die Kyoto-Nihonga im 20. Jahrhundert maßgeblich definierte.