Il naît à Edo (future Tokyo), alors que le Japon vit encore sous le gouvernement Tokugawa. En grandissant parmi les ateliers de temples et les quartiers d’artisans, il s’imprègne des rythmes de la taille traditionnelle avant que la restauration de Meiji ne transforme la société.

Adolescent, il entre dans une formation d’atelier exigeante, apprenant le maniement des outils, l’assemblage et les méthodes de finition utilisées pour la statuaire bouddhique. La discipline de la copie des maîtres lui enseigne l’anatomie, les plis des drapés et la patience nécessaire aux grandes commandes.

La chute du shogunat et l’occidentalisation rapide modifient le marché de l’art religieux et féodal. Alors que les temples perdent des revenus et que de nouvelles institutions apparaissent, il s’adapte en recherchant des commandes correspondant aux goûts modernes tout en protégeant les techniques classiques.

Il commence à travailler sous le nom de Takamura Koun, signe d’indépendance professionnelle dans le monde artistique compétitif de Tokyo. En combinant les méthodes orthodoxes de la sculpture bouddhique avec une observation plus proche des modèles vivants, il attire l’attention par un réalisme renouvelé.

Des expositions soutenues par l’État promeuvent l’industrie et les arts, créant de nouveaux espaces au-delà des commandes des temples. Il participe à ce système en mutation, comprenant comment l’exposition publique et la critique peuvent façonner la réputation d’un sculpteur dans un Japon en modernisation.

La photographie et le dessin de style occidental se diffusent largement à Tokyo, encourageant une ressemblance plus exacte et une anatomie plus précise. Il étudie visages et corps avec une intensité inhabituelle pour un sculpteur traditionnel, visant des portraits qui restent pourtant ancrés spirituellement.

Il entre en contact avec le cercle de réformateurs qui plaident pour la sauvegarde des arts classiques du Japon. Leur soutien aide à faire reconnaître la sculpture comme un atout culturel national, et non comme un artisanat dépassé.

À mesure que les efforts de préservation influencent les politiques et les collections, la demande en sculpture de haute qualité augmente. Il décroche des commandes majeures exigeant la maîtrise des finitions polychromes et une taille expressive, prouvant que la tradition peut prospérer dans la société Meiji.

Il développe une approche caractéristique du portrait, sculptant une musculature subtile, la tension de la peau et des expressions individualisées. Ces œuvres montrent comment la technique japonaise du bois peut atteindre un réalisme moderne sans renoncer à l’élégance contenue de la forme classique.

Alors que Tokyo devient le centre artistique du Japon, il forme des apprentis à la discipline de l’atelier et à l’observation attentive du modèle vivant. Son atelier transmet l’artisanat hérité d’Edo tout en préparant les élèves aux expositions et à l’enseignement artistique institutionnel.

De grandes expositions avec jury encouragent des catégories standardisées et la comparaison publique des œuvres à l’échelle du pays. Il expose et influence les goûts des jurys, démontrant que le bois sculpté peut rivaliser avec le bronze et la sculpture de style occidental.

Son fils devient un poète et sculpteur majeur, faisant le lien entre littérature et théorie de l’art moderne. Leur foyer reflète les mutations culturelles des ères Meiji et Taisho, où l’artisanat hérité rencontre le débat avant-gardiste et de nouveaux matériaux.

Les expositions Bunten du ministère de l’Éducation redéfinissent les normes des artistes professionnels. Il traverse ces institutions pour défendre la légitimité de la sculpture traditionnelle sur bois, tout en encourageant un langage sculptural plus réaliste et individualisé.

Avec la culture urbaine de l’ère Taisho et de nouveaux mécènes, il affine des têtes de portraits et des figures expressives. Il conserve la discipline de la sculpture bouddhique tout en laissant apparaître une psychologie plus personnelle dans les visages, en accord avec le goût moderne pour les études de caractère.

Le grand séisme du Kantō dévaste Tokyo et endommage musées, temples et collections privées. Dans l’atmosphère de reconstruction, son engagement pour la préservation et le travail soigné devient plus urgent, à mesure que la mémoire culturelle se rebâtit avec la ville.

À la fin de sa vie, il est largement considéré comme un pont entre les traditions d’atelier d’Edo et l’enseignement moderne de la sculpture. Collectionneurs et institutions recherchent ses œuvres comme modèles de rigueur technique, de réalisme et de continuité avec l’héritage classique du Japon.

Il meurt à Tokyo après une carrière couvrant les bouleversements de la fin d’Edo jusqu’au début de l’ère Shōwa. Ses portraits et son enseignement ont assuré à la sculpture sur bois une place dans l’histoire de l’art japonais moderne, influençant des artistes bien au-delà de son propre atelier.